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El arte de instruir a los arquitectos en la Escuela de Bellas Artes de París
Por LORRAINE FERRIER
26 de Mayo de 2021
Actualizado: 26 de Mayo de 2021

Pocas veces vemos diseños arquitectónicos que nunca salieron de la mesa de dibujo. A menudo, estos dibujos se guardan en oscuros archivos o se pierden para siempre. Los dibujos arquitectónicos realizados en la École des Beaux-Arts de París parecían tener un destino similar. Pero el entusiasmo de un coleccionista estadounidense por los dibujos de Beaux-Arts ha hecho que podamos contemplar un raro tesoro arquitectónico que documenta maravillosamente la formación profesional de los arquitectos en Francia.

Hasta el 13 de junio, los visitantes de la Sociedad Histórica de Nueva York pueden ver dibujos arquitectónicos franceses de la colección privada del inversor y filántropo Peter May, en la exposición “El arte de la arquitectura: Dibujos Beaux-Arts de la Colección Peter May”.

Asignación de doce horas para un salón de baile en el jardín: elevación, plano y sección transversal, 1846, por Henry Guillot de Juilly. Lápiz, tinta y acuarela; 17 pulgadas por 151/4 pulgadas. Colección Peter May. (Cortesía de Peter May)

En la exposición, más de 50 dibujos de estudiantes y graduados de la École des Beaux-Arts (Escuela de Bellas Artes) de París ilustran la historia de la enseñanza de la arquitectura francesa en el siglo XIX y principios del XX. También se incluyen dos dibujos del estudio de arquitectura neoyorquino McKim, Mead & White procedentes de la colección de la sociedad histórica. El arquitecto de Bellas Artes Charles Follen McKim se graduó en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts.

“La idea de la muestra es ilustrar los pasos que se dan en el camino hacia la profesión de arquitectura”, dijo la comisaria de la exposición, Maureen Cassidy-Geiger, en una entrevista telefónica. La becaria Cassidy-Geiger es la conservadora de la colección Peter May. Su especialidad es cultura cortesana europea de los siglos XVII y XVIII y la historia de las artes decorativas y el coleccionismo, pero su campo de acción se extiende a la arquitectura y el diseño desde el Renacimiento hasta el siglo XX.

Cada dibujo muestra el estilo Beaux-Arts, el estilo arquitectónico clásico que los arquitectos europeos y americanos practicaron hasta la Segunda Guerra Mundial. Cassidy-Geiger subraya que muchos de los dibujos evocan una tendencia artística, aunque se hayan originado como dibujos de admisión para la École des Beaux-Arts, o dibujos de encargo y de concurso para expresar el progreso y la maestría del estudiante.

Dibujo de diploma para una casa de campo y una finca: elevación, 1900, por Jacques Maurice Prévot. Lápiz, tinta y acuarela; 19 pulgadas por 321/2 pulgadas. Colección Peter May. (Cortesía de Peter May)

Lo que hace que esta exposición sea especialmente notable es que la mayoría de los dibujos arquitectónicos de este calibre que se conservan están en los archivos de institutos y bibliotecas. “Los coleccionistas privados de este material son escasos y distantes entre sí”, dijo Cassidy-Geiger. Y la colección de May, de unos 700 dibujos arquitectónicos, es una de las mayores de su clase.

A los integrantes del consejo de administración de la Fundación del Museo Sir John Soane de Estados Unidos que visitaron la exposición, muchos de los cuales son arquitectos y diseñadores que realizan dibujos arquitectónicos similares a los de la exposición, les pareció sorprendente que existiera esta colección privada, explicó Cassidy-Geiger.

Obras maestras de la arquitectura

Cassidy-Geiger ha expuesto los dibujos siguiendo lo que se denomina el “estilo salón”, con los cuadros apretados y colocados en lo alto de la pared en un espacio de dos pisos, un estilo que rara vez se ve en los museos y galerías de arte actuales. Exponer los dibujos en masa causa un gran impacto, y demuestra su variedad y escala. Los dibujos detallados están colgados a la altura de los ojos para que los visitantes puedan disfrutar de los detalles de las exquisitas obras. Y colgados en lo alto hay piezas monumentales que muestran eficazmente la gran escala de estos grandiosos dibujos.

“Es poco habitual tenerlos enmarcados como si fueran dibujos o pinturas de maestros antiguos”, dijo.

Los dibujos arquitectónicos de la exposición “El arte de la arquitectura: Dibujos de Bellas Artes de la Colección Peter May”, en la Sociedad Histórica de Nueva York, están colgados en estilo salón. (Sociedad Histórica de Nueva York)

Para May, estas obras enmarcadas en sus casas y oficinas o inspiran constantemente. “La posibilidad de convivir a diario con tantas piezas hermosas ha enriquecido significativamente mi vida y mi amor por la arquitectura”, dijo Peter May en el prólogo de “Viviendo con la arquitectura como arte: La colección Peter W. May de dibujos, maquetas y artefactos arquitectónicos, volumen I”.

Parece que el equipo de la exposición compartía el sentimiento de May, ya que estaban asombrados por los dibujos enmarcados, y uno de ellos era especialmente impactante. Fue un momento asombroso cuando vieron los marcos y se dieron cuenta que “Juana de Arco” debía ser la pieza central”, dijo Cassidy-Geiger.

En conjunto, los dibujos ilustran las diferentes etapas de la formación en la École des Beaux-Arts, empezando por los dibujos de admisión colgados en el lado izquierdo de la pared, y los dibujos de presentación realizados por los graduados se muestran en el lado derecho.

La Escuela

La Escuela de Bellas Artes de París se remonta a 1648. Los arquitectos en ejercicio (“mecenas”) recomendaban a los estudiantes a la escuela hasta 1823, después los estudiantes hacían un examen de ingreso.

Algunos estudiantes ya trabajaban con un arquitecto en la práctica privada en estudios (“ateliers”), donde el mecenas los entrenaba en habilidades de diseño y dibujo y los ayudaba a ingresar en la Escuela de Bellas Artes o a avanzar en su formación.

Un taller de arquitectura francés en 1937, donde los estudiantes aprendían diseño y dibujo arquitectónico como parte de su formación profesional. (Jean Chevalier-Maresc/Livre Grande Masse des Beaux-Arts, 1937, París)

En los ateliers, que a menudo estaban afiliados a la escuela, los estudiantes aprendían las habilidades arquitectónicas necesarias para sus dibujos de admisión. Cuando eran admitidos, los estudiantes aprendían en estos ateliers la mejor manera de avanzar en el sistema escolar.

Dibujo de admisión de un panteón. En el sentido de las agujas del reloj, desde la parte superior izquierda: alzado, sección transversal, planta y perspectiva, 1903, de Jean Béraud. Lápiz, tinta y acuarela; 161/2 pulgadas por 24 pulgadas. Colección Peter May. (Cortesía de Peter May)

Por ejemplo, los alumnos aprendían el dibujo ortográfico, una técnica por la que se representan los edificios de forma completamente plana y sin perspectiva, normalmente con tres vistas diferentes: una planta, un alzado frontal y un alzado lateral. Pero los estudiantes animaron sus dibujos añadiendo sombras de acuarela y personalización, es decir, añadieron figuras para dar cierta dimensionalidad al dibujo, explicó Cassidy-Geiger. “Para Peter May, esto los hizo (…) más artísticos. No eran simples dibujos arquitectónicos planos, sino que tenían algo de vida y vitalidad”, añadió.

De todas las obras expuestas, le gusta especialmente un estudio compuesto de la abadía de Santa Genoveva en París. En esta obra, el estudiante reconstruyó parte de una ventana con alcoba y un balcón en el que añadió detalles de ornamentación arquitectónica, como urnas y una balaustrada de hierro forjado, que se ve tridimensional por las sombras.

Estudio compuesto de la Abadía de Santa Genoveva, en París, alrededor de 1900, por un arquitecto no identificado. (Cortesía de Peter May)

“Para mí, esto es también un signo del artista, del arte de estos dibujos, de que esta persona no solo tenía que representar con precisión la sustancia arquitectónica, sino que realmente creó esta composición realmente impresionante”, dijo.

Estudio tradicional

El estudio en la Escuela de Bellas Artes de París era diferente de lo que reconocemos hoy en día. “Había que tener mucha iniciativa personal, habría que decirlo. (…) Había que comprometerse de verdad, porque gran parte era autoguiada”, dijo Cassidy-Geiger.

En el atrio de la escuela, los alumnos estudiaron una colección de moldes de yeso de obras maestras clásicas. En el siglo XIX, muchos museos europeos contaban con salas de yeso similares. Y también había una biblioteca llena de representaciones arquitectónicas y libros impresos para que los alumnos los estudiaran, dijo.

El patio central de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París, donde los estudiantes de arquitectura estudiaban los yesos clásicos como parte de su formación profesional. (Beaux-Arts de París, RMN-Grand Palais/Art Resource, NY)

Los alumnos realizaban pruebas de matemáticas y dibujo en perspectiva, y avanzaban en la escuela presentándose a “concursos”, cada uno de ellos se enfocaba en un tema concreto. Se presentaban al menos a dos concursos al año, y los tipos de proyectos variaban, incluyendo carteles y diseños de sellos, escribió Cassidy-Geiger en “Viviendo con la arquitectura como arte”. En una de las vitrinas de la exposición se exhiben algunos de los trabajos originales. Los estudiantes recibían un encargo impreso en el que se especificaba el tipo de edificación, las dimensiones del papel y los diferentes renders que se requerían. Para cada concurso, debían presentar cuatro dibujos: una planta, un alzado, una perspectiva y una sección transversal. Si un alumno omitía un elemento requerido, se rechazaba su participación en el concurso.

Dibujo del concurso para un sello postal conmemorativo de la Exposición de Bellas Artes, 1930, de Jean Marcel Carteron. Lápiz, tinta, acuarela; 26½ pulgadas por 16 pulgadas. (Cortesía de Peter May)

Cuando se presentaban los dibujos del concurso se pegaban en la pared para su evaluación. No se enmarcaban, pero se enseñaba a los alumnos a poner marcos en sus composiciones. Los estudiantes incluyeron un marco de acuarela tenue o incluso una cinta metálica dorada que actuaba como dispositivo de encuadre, dijo Cassidy-Geiger. Cada obra se juzgaba omitiendo todas las marcas de identificación de la obra, pero se anotaba el nombre del estudiante y de su taller asociado cuando se terminaba la evaluación.

Dibujo del concurso para una ampliación de la Sorbona: sección transversal, 1882, de Prosper-Etienne Bobin. Lápiz, tinta, acuarela; 34 por 108 pulgadas. (Cortesía de Peter May)

“Quien ganaba el primer, el segundo o el tercer puesto acumulaba un cierto número de puntos y, cuando alcanzaba un determinado umbral, podía pasar a la siguiente clase. Se podía tardar tres, cuatro o cinco años pasar por el sistema, y todos aspiraban al Premio de Roma”, explicó.

Dibujo del concurso del Premio de Roma para un observatorio: plano, 1907, por un estudiante de arquitectura no identificado. Lápiz, tinta y acuarela; 54 por 48 pulgadas. Colección Peter May. (Cortesía de Peter May)

El Premio de Roma

Algunos de los dibujos más grandes de la exposición son obras del concurso del Premio de Roma. Cassidy-Geiger destaca un plan bastante encantador para un observatorio con una serie de caprichosos caminos de entrada que atraviesan un terreno montañoso. La pieza central de la exposición es una representación vertical de un gran monumento a Juana de Arco que obtuvo el cuarto puesto en el concurso. Todos los trabajos ganadores del primer, segundo y tercer premio se conservan en los archivos de la Escuela de Bellas Artes.

Dibujo del concurso del Premio de Roma para un monumento a Juana de Arco: elevación, 1890, por Amet Georges Alexandre Pradelle. Lápiz, tinta, acuarela, cinta metálica; 79 pulgadas por 64 pulgadas. (Cortesía de Peter May)

Ganar el Premio de Roma permitía a los estudiantes pasar de tres a cinco años estudiando en la Academia Francesa en la Villa Médicis de Roma. Estudiar en Roma, el corazón del arte clásico de la época, significaba que los estudiantes podían sumergirse completamente en las ruinas de la antigüedad.

Dibujo de reconstrucción del teatro romano de Arles, Francia: alzados y planos, 1914, por Jules Formigé. Lápiz, tinta, acuarela; 28 ½ pulgadas por 41 pulgadas. (Cortesía de Peter May)

Los dibujos creados en el extranjero por los ganadores del Premio de Roma también se incluyen en la exposición: desde ruinas reconstruidas de un teatro romano delicadamente representadas en acuarela hasta espléndidas pinturas murales policromadas reconstruidas de Herculano y Pompeya. “Estos son los tipos de representaciones que realizaron los ganadores del Premio de Roma y los arquitectos que fueron a Roma a estudiar la antigüedad”, dijo Cassidy-Geiger.

Dibujo de reconstrucción de la policromía original de un fragmento de arquitectura del templo griego de Hera en Metaponto, Italia, realizado para su publicación, hacia 1833, por Joseph-Frédéric Debacq. Lápiz y acuarela; 141/4 pulgadas por 183/4 pulgadas. Colección Peter May. (Cortesía de Peter May)

Al regresar a Francia, los estudiantes comenzarían a trabajar como arquitectos. Pero mientras los arquitectos británicos se dedicaban a la práctica privada en estudios independientes para competir por encargos públicos y privados, muchos graduados de la Escuela de Bellas Artes de París trabajaban para el gobierno francés.

Dibujo de presentación para la estación de tren de Niza, Francia, 1892-93, de Prosper Etienne Bobin. Lápiz, tinta, acuarela; 70 ½ pulgadas por 53 pulgadas. (Cortesía de Peter May)

Al final de la exposición, a la derecha, hay algunos ejemplos de dibujos de presentación de graduados, que los habrían visto financiadores privados o funcionarios del gobierno. Los dibujos están muy bien hechos, no solo por la estética, sino también por motivos prácticos, para comunicar el diseño a alguien que no tiene por qué saber leer un dibujo arquitectónico.

Para saber más sobre la exposición “El arte de la arquitectura: Dibujos de Bellas Artes de la Colección Peter May”, que estará abierta hasta el 13 de junio en la Sociedad Histórica de Nueva York, visite NYHistory.org 


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