La pintura “Las hilanderas” de Velázquez enseña las consecuencias de la irreverencia y mucho más

Por Lorraine Ferrier
10 de Agosto de 2021
Actualizado: 10 de Agosto de 2021

Puede resultar difícil de imaginar, pero muchas obras maestras conocidas no son como los artistas las pintaron originalmente. En el pasado, las pinturas se modificaban para adaptarlas al diseño interior donde se iban a exhibir. Por ejemplo, partes de “Muchacha leyendo una carta en una ventana abierta“, de Johannes Vermeer, y “Baco y Ariadna“, de Giovanni Battista Tiepolo, se sobrepintaron, cambiando las composiciones; “Las hilanderas”, de Diego Velázquez, se amplió cuando se colgó en el nuevo palacio real de Madrid; y “La ronda de la noche”, de Rembrandt, se recortó para que cupiera en un espacio más pequeño del Ayuntamiento de Ámsterdam (que ahora es el palacio real).

A excepción de “La ronda de noche”, cada una de estas obras ha sido restaurada de forma permanente por la mano del hombre para intentar reproducir el aspecto original del artista. Los expertos del Rijksmuseum de Ámsterdam recientemente han utilizado la inteligencia artificial para simular las partes que faltan en “La ronda de noche”, para insinuar la composición general de Rembrandt.

“Las hilanderas” o “La fábula de Aracne”, de Velázquez, es la más reciente de las pinturas de la lista que ha sido restaurada a su composición original.

Dos composiciones diferentes

Durante los últimos años, los visitantes del Museo Nacional del Prado de Madrid podían ver la composición original de Velázquez del siglo XVII, pero el marco que ocultaba los añadidos del siglo XVIII no era una solución permanente para conservar la obra. El 12 de julio, el museo presentó un nuevo marco hecho a medida que permite a los visitantes ver la obra que Velázquez creó originalmente. Y qué diferencia ha supuesto.

Si comparamos la composición original de Velázquez con la del cuadro ampliado (con las adiciones del siglo XVIII), podemos entender por qué algunos espectadores de la versión posterior la confundieron con una simple escena de género de mujeres tejiendo.

Durante siglos, la gente que veía “Las hilanderas”, 1655-1660, de Velázquez, veía un cuadro mucho más grande de lo que el artista pretendía. La composición original de Velázquez del siglo XVII fue ampliada en el siglo XVIII para que cupiera en el espacio de un nuevo palacio real en Madrid. (Museo del Prado)
En esta imagen de “Las hilanderas”, 1655-1660, de Velázquez, las zonas sombreadas destacan los tres bordes de la composición original que se ampliaron en el siglo XVIII. (Museo del Prado)

“Durante ese siglo, aumetó 50 centímetros en el borde superior y algo menos de 20 centímetros en cada lado”, explica el conservador jefe de pintura española del Prado, Javier Portús, en un video. Los pintores del siglo XVIII ampliaron el edificio en la pintura hasta tal punto que, en lugar de enmarcar suavemente la escena, dominaba la composición. Esto hizo que la escena de fondo se alejara aún más y, a su vez, enfocó a los espectadores aún más en el primer plano, donde las mujeres están tejiendo.

Hasta las décadas de 1930 y 1940, los estudiosos no se percataron que “Las hilanderas” tenía un contenido mitológico. Las figuras del fondo no mostraban, como muchos espectadores creían, el tapiz tejido por las mujeres del primer plano. En el fondo, Velázquez representaba parte del mito griego de Aracne, que es la historia central de su cuadro y por lo que su título alternativo es “La fábula de Aracne”.

La irreverencia de Aracne

En “La Metamorfosis“, Ovidio describió cómo Aracne, una muchacha de origen y parentesco humildes, tejía telas de forma tan exquisita —desde el hilado hasta la decoración final— que “a menudo las ninfas del monte Tmolus abandonaban sus laderas cubiertas de viñedos, y las ninfas del río Pactolus abandonaban sus olas, para examinar su maravillosa labor”. Pero Aracne siempre negó que su talento fuera otorgado por la diosa de la artesanía, Palas. Llena de fanfarronería, Aracne desafió a Pallas a una competencia de tejido para probar su punto, jurando que si la diosa ganaba entonces ella concedería que sus dones artísticos habían sido otorgados por la divinidad.

Entonces, Palas se disfrazó de anciana, símbolo de la sabiduría, y le dijo a Aracne que “no había que rechazar todo lo que tiene la vejez: El conocimiento llega con la edad. No rechace mi consejo: Busque una gran fama entre los mortales por su habilidad para tejer, pero dé paso a la diosa, y pídale perdón, muchacha imprudente, con voz humilde: Ella la perdonará si se lo pide”.

La joven y desafiante Aracne replicó que ella también se sentía rechazada, y preguntó por qué Pallas no estaba presente en el concurso. Entonces, Pallas abandonó su disfraz y el concurso comenzó.

En la pintura de Velázquez, se puede ver a Pallas como la anciana en su rueca. Y en la parte derecha del cuadro, Aracne nos da la espalda mientras ignora las súplicas de la anciana. Consumida por la competitividad, desenreda su madeja de lana.

“Las hilanderas”, 1655-1660, de Velázquez, se encuentra ahora en su nuevo marco en el Prado, que oculta las adiciones del siglo XVIII y restituye la composición original de Velázquez. (Museo del Prado)

La caída de Aracne

Pallas tejió una lección moral en las cuatro esquinas de su tapiz. Cada historia era otra advertencia compasiva a Aracne sobre las consecuencias que sufren los mortales que compiten o desafían a lo divino. Pallas esperaba que Aracne prestara atención.

Aracne, en su tapiz, tejió ejemplos de momentos en los que los dioses actuaron de forma incorrecta en el mundo de los mortales, como cuando Zeus secuestró a Europa disfrazándose de un hermoso toro blanco.

Velázquez eligió recrear el cuadro de Tiziano “El rapto de Europa” como el tapiz que colgaba en el fondo de su cuadro. Zeus, que raptó a Europa, era el padre de Pallas. (Velázquez, como pintor de la corte real española, probablemente habría visto el cuadro de Tiziano en el palacio real).

Frente al tapiz, vemos a Pallas como diosa de la guerra, con su casco y su escudo, respondiendo a la tela perfectamente tejida de Aracne. Está lívida; Aracne se atrevió a ensombrecer a una diosa.

Velázquez no representó lo que ocurrió después en el mito de Ovidio: Palas golpea a Aracne con su lanzadera. Con un dolor insoportable, Aracne se pone la soga alrededor del cuello. En ese momento, Pallas convierte a Aracne en una araña para que tenga que tejer y colgarse constantemente por la eternidad.

Diferentes interpretaciones

Además de la confusión causada por las adiciones del siglo XVIII a “Las hilanderas”, Velázquez creó el cuadro en las últimas décadas de su vida, cuando era conocido por pintar composiciones complejas y ambiguas.

En la página web del Museo del Prado, la obra se considera una oda a la nobleza de la pintura, ya que Velázquez utilizó con maestría su pincel y sus pinturas para representar el paso del tiempo desde que el material se hila, se teje y se convierte en el tapiz. Velázquez no solo contó la historia de Aracne a través de la pintura, sino que también usó un famoso cuadro para representar sus logros.

El sitio web también señala que Velázquez conocía la opinión del mitólogo Juan Pérez de Moya acerca de que el mito de Aracne demostraba el constante avance del arte. En “Las hilanderas”, Velázquez construyó un relato sobre el progreso artístico y la competitividad representando el tapiz en el fondo y reproduciendo un cuadro original de Tiziano que fue, y sigue siendo, copiado por muchos artistas que aspiran a alcanzar la maestría.

Los Amigos Americanos del Museo del Prado y la Fundación American Express financiaron el nuevo marco como parte de la iniciativa “Reframing the Prado”, para garantizar que la colección del Prado se exhiba en su máxima expresión. Para saber más sobre “Las hilanderas” de Velázquez en el Museo Nacional del Prado, visite MuseodelPrado.es


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