Las esculturas de piedra, mármol o bronce sin pintar dominan el arte sacro occidental, en gran parte gracias a gigantes del Renacimiento como Donatello y Miguel Ángel, al escultor barroco Gian Lorenzo Bernini y al escultor neoclásico Antonio Canova. Por eso, cuando pensamos en el arte sacro, es posible que las esculturas policromadas no estén en nuestra mente, a menos que hayamos pasado un tiempo en América Latina o en la Península Ibérica, es decir, en España o Portugal.
En el mundo hispano, las esculturas sagradas son policromáticas, pintadas de colores. Cada pieza está impregnada intencionalmente de emociones, gestos y vitalidad intensos, todo diseñado explícitamente para enseñar las Escrituras e inspirar la contemplación y la devoción a Dios. Los creyentes desarrollaron relaciones íntimas con estas piezas sublimes y funcionales.
Para muchos de nosotros, la pasión y, a veces, la emotividad gráfica que se transmiten en el arte sacro hispano pueden parecer extrañas. De hecho, solo hace relativamente poco tiempo que los académicos se han interesado más por esta forma de arte. Ese interés fue despertado por la exposición de 2009 «Lo sagrado hecho real», que fue organizada por la Galería Nacional en Londres y la Galería Nacional de Arte en Washington, me dijo Patrick Lenaghan en una entrevista telefónica. Lenaghan es la curadora principal de grabados, fotografías y esculturas del Museo y de la Biblioteca de la Sociedad Hispana (HSM&L) en Nueva York.
La escultura policromada hispana entre 1500 y 1800 es el tema central de la exposición recientemente inaugurada de la sociedad «Figuras doradas: Madera y arcilla hechas carne». Curada por Lenaghan y su colega Hélène Fontoira-Marzin, jefa de conservación de HSM&L, la exposición reúne más de 20 esculturas de madera y arcilla, casi todas procedentes del HSM&L.
A través de estas obras, la exposición explora los diferentes tipos de arte sacro público y privado en España y cómo esta tradición artística española influyó en la escultura latinoamericana.
Creyentes representados en las esculturas
Las esculturas sagradas del mundo hispánico actuaron como instrumentos de fe: Buscaban inspirar devoción. Lenaghan dijo que las esculturas fueron hechas para que los creyentes se relacionen con ellas. Son «parte de una cultura viva».
Una de las formas en que los fieles se comprometieron con el arte fue aparecer en la obra de arte en sí. En la “Resurrección”, un jubiloso relieve escultórico narrativo dorado del célebre escultor español Gil de Siloé, Cristo ha resucitado y se encuentra en el centro sobre su tumba. A la derecha, se le ve reunirse con discípulos en el camino a Emaús. A la izquierda, las tres Marías vienen buscando al Cristo resucitado. Alrededor de la tumba de Cristo, los soldados se derrumban en un profundo sueño. Solo uno de estos hombres da testimonio del milagro de Cristo. Se arrodilla con reverencia, mirando a Cristo con piadosa adoración. Lenaghan cree que De Siloé agregó la semejanza del patrón al hombre reverente, representándolo como el capitán de los soldados, para reconocer la fuerte fe del patrón.
«Gil de Siloé fue un escultor muy sofisticado en la forma en que organizó las escenas en el plano de la composición de la imagen para resaltar los matices y detalles teológicos que eran apropiados para el contexto y el tema», dijo Lenaghan. Agregó que la pieza apunta a una comprensión muy sólida de la teología, pero poder traducir eso en algo que funcione visualmente es otra cosa.
Decorando piadosamente las estatuas
A menudo, las esculturas del mismo escultor pueden, en última instancia, parecer muy diferentes, debido a la participación de diferentes artesanos. Los clientes a menudo recibían sus estatuas encargadas sin pintar. Dependía de ellos encargarse de que un pintor embelleciera las obras y las hiciera lo más realistas posible. Para lograr un atractivo naturalista, a menudo adornaban las esculturas con ojos de vidrio, dientes de marfil y pestañas reales. En algunos casos, las obras fueron vestidas con trajes.
Algunos escultores supervisaron la pintura de sus piezas. Por ejemplo, el cuñado de la escultora real Luisa Roldán pintó sus esculturas, dando como resultado una estética consistente en sus obras. Pero una vez que una pieza dejaba su taller, su color y apariencia podían cambiar, y a menudo lo hacían.
Repintar piezas para adaptarlas a la sensibilidad popular era una práctica común. En la exposición, un par de esculturas de terracota de Roldán demuestran bien esta práctica. Lenaghan explicó que estas piezas de Roldán adquirieron un aspecto totalmente diferente una vez que salieron del taller, y se transformaron de su paleta de colores brillantes y agudos originales a tonos más sobrios.
La conservadora de la Sociedad Hispánica, Fontoira-Marzin, pasó los últimos 20 años devolviendo pacientemente las piezas a su estado original. Gracias a Fontoira-Marzin, los visitantes de la exposición ahora pueden disfrutar de los colores de las terracotas de Roldán cerca de sus colores originales.
El sufrimiento de los mártires, el sufrimiento de las estatuas
Mire de cerca algunas de las esculturas en la exposición y literalmente podrá ver «las cicatrices de su uso», dijo Lenaghan. La obra “Bendición del Niño Jesús”, de Alonso Martínez, presenta abrasiones en cuello y brazos. A lo largo de los años, la estatua del Cristo desnudo se ha vestido con diferentes vestiduras, lo que ha provocado que la pintura se desgaste en las zonas donde se ponía y se quitaba la ropa.
La forma en que los propietarios de las esculturas las modificaban a menudo es fascinante. En la exposición, el bello busto de un hombre hecho por el artista, Pedro de Mena, está delicadamente representado con ojos de cristal, un bigote recortado y una boca entreabierta. En una inspección más cercana, uno se da cuenta de que le han degollado y está horrorizado. Su expresión facial está llena de conmoción y desesperación. El busto es de San Acisclus, un exsoldado romano martirizado en el siglo IV por mantenerse fiel a su fe.
El busto era originalmente una figura más completa y evocadora. Una antigua fotografía muestra la estatua completa con los antebrazos y el torso. En su día, lágrimas de cristal caían por el rostro del hombre y mucha más sangre brotaba de su cuello. «Su aspecto original hacía más hincapié en la perseverancia en la fe ante tal sufrimiento», dijo Lenaghan. Cree que la figura se atenuó y se redujo a un busto, quizá en un guiño a los bustos de la antigüedad, para que la escultura fuera más deseable para los compradores.
Otro caso en el que se ha alterado la escultura es el de una crucifixión. Es una pieza que desconcertó por completo a Lenaghan en cuanto a quién era el escultor. En él, Cristo está en la cruz y la Virgen María a sus pies. La Sociedad Hispánica lo compró en una subasta, sin tiempo para hacer una atribución. Pronto se dio cuenta de que la Virgen era del escultor español Manuel González Santos del siglo XIX, pero la crucifixión no reflejaba en absoluto el estilo del escultor. Lenaghan se sorprendió cuando un amigo sugirió enfáticamente que la obra era de Pablo de Rojas, un importante escultor español del siglo XVII. “Me quedé atónito porque es todo un acontecimiento tener una estatua de Pablo de Rojas”, dijo. Lenaghan ahora cree que la Virgen fue agregada por un propietario unos 200 años después.
Influencia en el Nuevo Mundo
Cuando los españoles llegaron al Nuevo Mundo, las esculturas religiosas fueron importantes para convertir a la población indígena al catolicismo. Siempre que fue posible, los escultores españoles transmitieron sus técnicas occidentales a los escultores locales, lo que resultó en obras devocionales latinoamericanas que adquirieron un estilo español. Por ejemplo, dos piezas de la exposición: “San Francisco” y la “Mater Dolorosa”, se creía que eran obras españolas hasta hace poco, cuando se volvieron a atribuir a artistas mexicanos.
A veces, los artistas latinoamericanos adaptaron el estilo español y las esculturas adquirieron un estilo claramente local. Por ejemplo, en España, el oro se usaba comúnmente como base, una capa base en las esculturas a las que se aplicaba la pintura. Los artistas luego rayarían diseños a través de partes de la superficie pintada para revelar el oro debajo. Parte del oro permaneció oculto debajo de la pintura, lo que realzó aún más los pigmentos de la pintura. Lenaghan explicó que los artistas de Quito, Ecuador, usaban motivos de oro y plata en sus estatuas. Esta práctica había existido en España, pero los escultores ecuatorianos la utilizaron con un efecto más dramático, yuxtaponiéndola con frecuencia con oro.
Lenaghan explicó que Quito era la cuarta ciudad más grande del Nuevo Mundo; solo Lima, La Habana y Ciudad de México la superaban. Parte de la riqueza de Quito provino de sus numerosas minas de plata. La “Virgen de Quito” y “San Miguel Arcángel” son un par de ejemplos de la mano de obra de Quito en la exposición, donde se utilizaron fondos de oro y plata. El uso del fondo plateado en esas piezas produjo una mayor intensidad de los rojos y azules, dando a las obras una calidad eléctrica.
Uno de los aspectos más destacados de la exposición es también de Quito: “Los cuatro destinos del hombre”, atribuido a Manuel Chili, más conocido como Caspicara. Es una pieza particularmente conmovedora, que lleva al espectador explícitamente a través de las diversas consecuencias de llevar una vida inmoral frente a una vida virtuosa que sigue los santos preceptos. Se sabe poco sobre el trabajo; no hay formas escultóricas conocidas como esta.
Es posible que Caspicara tuviera una guía aproximada para la iconografía y el concepto teológico a partir de las figuras de cera napolitanas que muestran almas en el infierno, explicó Lenaghan. Está impresionado por los detalles de un conjunto tan pequeño de figuras que hablan de un toque increíblemente talentoso y hábil.
Lenaghan dijo: “A medida que se desarrolla el siglo XVIII, y el canon neoclásico y la estética comienzan a hacer incursiones en España, hay más moderación y quizás menos emoción abierta en algunas estatuas… Pero la importancia emocional de los sujetos que se representan… nunca abandona el escenario porque en este mundo premoderno, creo que la santidad viene a través del sufrimiento. Y entonces mides la santidad por cuánto has sufrido y tu compromiso con tu fe”.
La exposición “Figuras doradas: Madera y arcilla hechas carne” en el Museo y Biblioteca de la Hispanic Society en Nueva York estará abierta hasta el 9 de enero de 2022. Para obtener más información, visite HispanicSociety.org
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