Los amantes del arte pueden ver las Madonnas de Bartolomé Esteban Murillo desde el otro lado de la habitación. Los etéreos retratos del pintor español, con pelo de cuervo y piel de porcelana, de la Virgen María abrazando tiernamente a su hijo o flotando en las nubes celestiales, adornan museos de todo el mundo. Sin embargo, por cada imagen innovadora de la Madre de Dios que el artista barroco pintó, elaboró una representación igualmente pionera de la paternidad.
Para ilustrar la virtud paterna, Murillo recurrió a ejemplos bíblicos, y su mayor fuente de inspiración fue San José, esposo de María y padre adoptivo de Jesucristo. Con colores y gestos más suaves que los de sus radiantes Madonnas, los cuadros de San José de Murillo exaltan las cualidades matizadas que caracterizan a los grandes padres.
San José tardó en encontrar su lugar en la historia del arte. Sin una sola palabra registrada en la Biblia, permaneció ausente en los primeros frescos y tallas cristianas, y finalmente apareció como un anciano preocupado y reclinado en un rincón de los belenes.
En la época del Renacimiento, su repertorio iconográfico se amplió hasta incluir su matrimonio con la Virgen María, proponiendo al santo como un esposo modelo. A raíz de la Reforma Protestante, San José finalmente ocupó el centro del escenario como un tema digno de su propio retablo, no como el factótum de la Sagrada Familia, sino como un padre comprometido, protector y amoroso.
España se esforzó por lanzar la imagen de José como el mejor padre del mundo, impulsada por varios santos que sentían una conexión especial con la figura silenciosa pero firme. Murillo, siempre dispuesto a asumir nuevos retos iconográficos, aprovechó este cambio de espiritualidad para revolucionar la representación de José, dando lugar a algunas de las imágenes de paternidad más inspiradoras de la historia del arte.
El San José de Murillo como buen padre
Murillo exploró diferentes cualidades paternales —vigilancia, devoción, alegría, lealtad y perdón— en cada uno de sus numerosos cuadros de San José. Su impresionante retablo de 1665 en Sevilla muestra a un José de gran tamaño que se eleva sobre el espectador, de pie junto al luminoso Niño Jesús.
Como era típico en su estilo, Murillo dispuso algunos fragmentos de arquitectura clásica en un lado, dejando el resto del espacio despejado para centrarse únicamente en las dos figuras. Jesús, encaramado a las ruinas de un antiguo altar, se inclina junto a José mientras mira serenamente al espectador, confiado en la protección de su padre. El color malva de su túnica y la suavidad de su piel subrayan su humanidad y vulnerabilidad. José protege al niño con su cuerpo, mirando con recelo en la distancia, aparentemente listo para llevarse a su hijo a la primera señal de peligro. En la Biblia, la pronta reacción de José salvó al niño Jesús escapando de la furia asesina del rey Herodes.
Murillo rechazó el precedente pictórico de retratar a José como un hombre viejo y decrépito, y lo representó con el pelo oscuro y suelto y con fuertes rasgos juveniles que se asemejan mucho al Jesús maduro. Murillo transformó a José de defensor viril en padre cariñoso para un mecenas privado que habría encargado una versión más íntima para el ámbito doméstico. Una obra más pequeña de 1670 abre una ventana a la relación personal de José con su encargo divino. Como padre de once hijos, Murillo dominaba el arte de representar la carne regordeta de los niños, produciendo un adorable Niño Jesús que parece listo para dejarse llevar por los brazos del espectador. José contempla al niño atentamente, con los párpados caídos y los labios ligeramente separados; parece deleitarse con la presencia física de Jesús, absorto en sus rizos dorados, su cálido tacto y su dulce aroma.
Al mismo tiempo, José parece asombrado ante el hecho de que este adorable niño sea también el Mesías. Jesús coloca una rama florecida en la mano de José, una alusión a la selección divina de este hombre para ser el esposo de María y el guardián de Cristo. Las tenues pinceladas dan la impresión de un movimiento espontáneo, como si se tratara de una cándida instantánea en la que José, sorprendido, revela la profundidad e intensidad de su amor paternal.
Murillo, que perdió a su padre y a su madre a los 10 años, prácticamente inventó la imagen de la Sagrada Familia en casa. Mientras que algunas de sus versiones mostraban a los padres trabajando y al niño jugando, «La Sagrada Familia con un perro«, de 1650, capta un momento de alegre descanso de las labores del día.
En un taller espartano, San José deja por un momento sus tareas de carpintería para jugar con su hijo. Jesús, cuyo único indicio de su condición exaltada es la banda azul y dorada que le rodea la cintura y la luz intensificada en su rostro, se divierte con un perrito faldero con un pájaro en su mano. Una sonrisa parece jugar alrededor de los labios de José mientras señala a la paciente mascota, disfrutando de este tranquilo momento familiar.
María también hace una pausa en su hilado para contemplar la escena, pero al mirar el pájaro en la mano de Jesús, símbolo de su futura pasión, enmarcado contra las barras de madera cruzadas de su huso, su mente parece desviarse hacia pensamientos más sombríos.
Aunque Murillo retrató a San José como un hombre moreno y apuesto, añadió unas líneas en la frente y alrededor de los ojos para indicar el paso de la juventud. La vida de José transcurrió en relativa pobreza, trabajando constantemente para mantener a su familia, y Murillo sugiere la gran dignidad de una vida de sacrificio.
Otros padres
Los estudios artísticos de Murillo sobre la paternidad no se limitan a San José. A raíz de la peste española de 1649, Murillo pintó seis grandes lienzos que relatan la historia del Hijo Pródigo. Esta parábola cuenta la historia de un joven que exigió su herencia en vida de su padre, para despilfarrarla en una vida desenfrenada. Reducido a la pobreza, la vergüenza y el hambre, regresó a casa con la esperanza de unirse a los siervos de su padre.
El protagonista de la historia es el padre, que sin rencor ni recriminaciones acoge a su hijo en casa. De las seis escenas, el padre aparece en tres, regalando abiertamente su dinero al ingrato muchacho, observando abatido su partida y, lo que es más poderoso, acogiendo con alegría a su hijo desahuciado. En este último panel, los familiares permanecen en la sombra mientras el joven, vestido con harapos, cae de rodillas ante el anciano. Mientras los demás familiares, vestidos con ropas brillantes, permanecen en las sombras de la puerta, el anciano, con su túnica del color de la tierra, se impulsa hacia el joven. La palabra latina para tierra —»humus»— es la raíz de «humildad», una de las virtudes más apreciadas de la época. El padre, con el derecho de su parte, que ha gozado del respeto y la lealtad de todos menos de su hijo, deja de lado su orgullo para perdonar a su humillado muchacho.
Las imágenes de Murillo, 400 años después, parecen hechas a medida para un Día del Padre moderno. Son emblemas de gratitud hacia los hombres que fielmente apoyan, sirven, protegen y aman a sus familias por muy difíciles que sean las circunstancias.
Elizabeth Lev es una historiadora del arte de origen estadounidense que enseña, da conferencias y es guía en Roma.
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