«No hay dos días iguales, ni siquiera dos horas; tampoco hubo nunca dos hojas de un árbol iguales desde la creación de todo el mundo; y las producciones genuinas del arte, como las de la naturaleza, son todas distintas entre sí», dijo el pintor paisajista británico John Constable.
Constable se refirió a la única constante de la naturaleza: el cambio. Un estudio de arte académico nunca puede simular la forma en que la luz cae sobre la tierra a una hora determinada del día. Los artistas necesitaban salir y estudiar la naturaleza por sí mismos.
«A finales del siglo XVIII y a lo largo del XIX, simplemente no eras un artista educado hasta que fuiste a Roma y te empapaste de cultura antigua, arquitectura antigua, escultura antigua, pintura y arquitectura renacentista y barroca, y cada vez más, en las décadas de 1780 y 1790, saliendo a la campagna [campo] romana y registrado la hermosa y mágica luz de Italia; la topografía de la campagna romana». Mary Morton dijo. Morton es la curadora y jefa del departamento de pinturas francesas en la Galería Nacional de Arte de Washington.
El paisajista francés, Pierre-Henri de Valenciennes, animó a los jóvenes artistas a pintar bocetos al óleo al aire libre con su influyente tratado de pintura de paisajes publicado en 1800.
Los jóvenes artistas viajaron desde capitales europeas como París, Copenhague y Berlín para completar su educación artística dibujando la campiña romana al óleo: una tradición llamada pintura al aire libre. Estas pinturas al aire libre de los artistas europeos inmortalizaron el paisaje italiano y, a su vez, Italia, fiel a su naturaleza de país impregnado de antiguas tradiciones artísticas, formó a algunos de los más grandes artistas europeos al aire libre.
Los artistas pintaron vigorosamente las montañas, los valles, los ríos, las cascadas, e incluso los volcanes en erupción, tomando nota rápidamente de cada pequeña cosa entre la tierra y el cielo. Estos bocetos al óleo no estaban pensados como pinturas detalladas terminadas, sino como estudios o, como Morton los describe, notas de campo.
Los artistas hacían circular estos bocetos entre sí, o archivaban las pinturas en sus estudios. En el estudio, los artistas desarrollaban algunos de los bocetos al óleo en obras terminadas, o volvían al mismo sitio varias veces para hacer una obra más terminada, explicó Morton por correo electrónico. Cuando estos artistas volvían a sus países de origen, hacían referencia a los bocetos al óleo para hacer composiciones nuevas, y también continuaron la tradición de hacer bocetos al óleo al aire libre centrándose en sus paisajes nativos.
Los visitantes pueden ver cómo se despliegan los paisajes de Europa a través de unos 100 bocetos al óleo en la exposición «Fiel a la naturaleza»: Pintura al aire libre en Europa, 1780-1870″, en la Galería Nacional de Arte (NGA por sus siglas en inglés) en Washington.
Las piezas expuestas proceden de la colección de la NGA y de dos colecciones europeas: la Fundación Custodia, Colección Frits Lugt en París y el Museo Fitzwilliam en Cambridge, Reino Unido. Morton curó la exposición junto con el director de la Fundación Custodia, Ger Luijten, y la conservadora de pinturas, dibujos y grabados del Museo Fitzwilliam, Jane Munro.
La exposición es un descubrimiento de muchas cosas: bocetos al óleo al aire libre, artistas menos conocidos y la belleza de Europa.
Redescubrir las pinturas al aire libre
Solo en las últimas dos décadas se ha comprendido mejor la tradición del dibujo al óleo, dijo Morton. El equipo de curadores investigó la erudición de los siglos XVII y XVIII para la exposición y también el trabajo del difunto Philip Conisbee que, desde 1993 hasta 2008, fue el curador principal de pinturas europeas de la NGA.
Toda esta historia se discute en el amplio catálogo de la exposición «Fiel a la Naturaleza»: Pintura al aire libre en Europa, 1780-1870″. En 1954, John Gere, conservador del departamento de grabados y dibujos del Museo Británico y especialista en antiguos maestros italianos, vio algunas pinturas al aire libre en una subasta. Esto despertó el interés de Gere en el género y, junto con su esposa, comenzó a coleccionar estos bocetos, provocando un redescubrimiento de la pintura al aire libre. Conisbee vio la colección en la casa de Gere y comenzó una investigación adicional.
En 1980, Conisbee escribió las entradas del catálogo de la primera exposición completa de pinturas al aire libre en el Museo Fitzwilliam, según el catálogo de la exposición. Durante los siguientes 40 años, investigó la tradición plein-air y construyó la colección de la NGA de estas obras.
En 1996, curó «A la luz de Italia: Corot y la temprana pintura al aire libre» en la NGA, la primera exposición americana sobre el tema. «Fiel a la naturaleza» es una continuación del trabajo de Conisbee, con bocetos al óleo que adquirió durante su estancia en la NGA, y también con una erudición. La exposición tiene como objetivo aumentar la comprensión de esta importante, aunque relativamente poco estudiada, parte de la historia del arte europeo.
Perspectivas de la pintura al aire libre
Algunos de los pequeños detalles que descubrimos pueden hacer que estos bocetos sean aún más entrañables y quizás más relacionados con nuestra vida cotidiana. Por ejemplo, algunos de estos trabajos en papel tienen un borde que claramente ha sido cortado con un cuchillo. Así como a veces dividimos y cortamos un trozo de papel para escribir notas, algunos de los bocetos al óleo parecen haber sido cortados de la misma hoja por el mismo artista. Y podemos imaginar a los artistas preparando sus materiales: cortando el papel a mano, seleccionando los pinceles y empacando cuidadosamente la pintura. Los artistas usaron vejigas de animales para almacenar la pintura o mezclaron una paleta de colores limitada para llevarla consigo.
Grupos de artistas se aventuraron juntos en el campo a través de un terreno a menudo traicionero con sus caballetes, papel y pinturas en la mano. El artista italiano Giuseppe de Nittis viajó seis horas cada día para pintar el volcán más accesible de Italia, el Monte Vesubio. Recorrió parte del camino a caballo y para el resto fue llevado por un guía, explicó Jane Munro del Museo Fitzwilliam. Sin embargo, cambió su ruta después de sentir la tierra moverse, señalando una posible erupción volcánica.
Una vez en el sitio, los artistas habrían pintado cada boceto durante un tiempo determinado. Como parte de su formación artística académica, estarían familiarizados con la disciplina de los dibujos de vida con límite de tiempo. Así como estos artistas eran capaces de capturar la pose de un modelo de vida en gestos cortos y rápidos con su carbón o pincel, también aplicaron el mismo espíritu para capturar los matices de la naturaleza en el óleo. Cada dibujo al óleo es «como una ensoñación panteísta», dijo Morton.
Debido a que estos artistas tenían un entrenamiento artístico formal, cada boceto es «una pieza de la naturaleza que ha sido formalizada estéticamente y hecha satisfactoria para ellos, porque en su mayoría, muchos de estos son para ellos», dijo Morton.
Acogiendo la pintura al aire libre
La exposición comienza con dos regiones italianas, Roma y Nápoles, y luego cubre el resto de Europa. Repartidos en un total de cinco galerías, los bocetos se han agrupado por temas ya que los artistas los habrían archivado en sus propios estudios: hay rocas y cuevas, cascadas y volcanes, por nombrar algunas de las 11 categorías.
El pintor paisajista francés del siglo XIX Jean-Baptiste-Camille Corot fue un prolífico pintor de paisajes que trajo la tradición a Francia. Como tradicionalista, Corot juró «reproducir tan escrupulosamente como sea posible» lo que vio frente a él. El óleo de Corot «La isla y el puente de San Bartolomeo, Roma», que aparece en la exposición, lo atestigua. El maestro de Corot, Achille Etna Michallon, le enseñó a pintar fielmente a la naturaleza, y Michallon debió aprenderlo de sus maestros: el neoclasicista Jacques-Louis David y Valenciennes.
El consejo de Valenciennes a los artistas era que siempre empezaran por el cielo cuando pintaran una vista. Los artistas podían incluir una franja de tierra como guía para orientarse, pero Valenciennes creía que el cielo marcaba la tonalidad de todo el paisaje, explicó Morton.
El homólogo británico de Valenciennes, Constable, habría estado de acuerdo. Para Constable, el cielo era de suma importancia. Es «la nota clave, el estándar de escala, y el principal órgano de sentimiento» en una pintura de paisaje, dijo.
Constable estaba obsesionado con el cielo. Leía los informes meteorológicos y pasaba horas haciendo «skying», un término que acuñó para observar y registrar los cambios del paisaje. Anotó sus estudios del cielo con informes meteorológicos, la dirección de la luz y más información meteorológica. Morton nos invita a ver lo que Constable hace con la luz en sus pinturas. En la exposición, podríamos empezar con «Estudio de las nubes»: Atardecer tormentoso».
«Santa Trinità dei Monti en la nieve» de André Giroux está pintada en una paleta similar a la del «Estudio de las nubes» de Constable: Atardecer tormentoso». Estudiantes franceses como Giroux, que fueron patrocinados por el gobierno francés, se alojaron en la Villa Médici. Giroux pintó el boceto directamente desde la ventana de su dormitorio.
En el boceto, una escena nevada se desarrolla, y en partes Giroux usó su dedo para pintar, o raspó a través de la pintura húmeda. La historiadora de arte técnico Ann Hoenigswald descubrió la creativa «marcación» de Giroux como parte de su estudio de cada exposición para entender más sobre cómo se hacían estas pinturas al aire libre.
Una de las dos mujeres pintoras presentadas es Louise-Joséphine Sarazin de Belmont, una estudiante de Valenciennes. A las mujeres aún no se les permitía estudiar en las escuelas de arte, por lo que Valenciennes les daba clases particulares. Sarazin de Belmont generalmente comenzó a pintar al aire libre y luego continuó trabajando en sus pinturas para venderlas en el mercado de arte parisino, dijo Morton por correo electrónico. «Gruta en un paisaje rocoso» expresa la «emoción de estar dentro de la tierra mirando hacia afuera», dijo Morton.
Sarazin de Belmont logró crear una enorme sensación de escala en el papel, que se siente como si la cabeza casi saliera en el paisaje de la pintura. Usó la perspectiva atmosférica para lograr esto: El fondo se desvanece mientras que el color fresco llena el primer y segundo plano.
El pintor francés Jean-Charles Rémond pintó muchos bocetos al óleo al aire libre, pero su cuadro terminado, «La erupción de Stromboli, 30 de agosto de 1842», fue un encargo de la Galería de Mineralogía y del Museo de Historia Natural de París. Ricos rojos y negro dominan la pintura mientras la lava brota del Stromboli.
Fiel a la naturaleza
Jane Munro reflexiona sobre ¿quién es «fiel a la naturaleza»? ¿Son artistas como Guiseppe de Nittis, que dibujan volcanes y predicen la probabilidad de erupciones volcánicas sujetando sus oídos a la tierra para escuchar la lava que burbujea debajo, o son científicos como el físico Luigi Palmieri, director del Observatorio del Vesubio, que vigilan la tierra con sus sismógrafos? Nosotros también nos lo podemos preguntar.
Morton se refirió al cuadro del barón François Gérard, de colores bastante fuertes, lleno de un atardecer púrpura y rojo, mientras una ola choca violentamente contra las rocas. «No hay manera de que [puedas] pintar una ola fiel a la naturaleza; vas a pintar la sensación de una ola, que es lo que ha hecho Gérard», dijo.
Cada uno de estos bocetos al óleo es una conversación del artista con la naturaleza, que evoca las sensaciones y sentimientos que fueron fieles a ese artista en ese momento.
La exposición «Fiel a la naturaleza: Pintura al aire libre en Europa, 1780-1870» está en la Galería Nacional de Arte de Washington, hasta el 3 de mayo de 2020. Para saber más, visite NGA.gov
La información de este artículo proviene principalmente del audio del avance de prensa de «Fiel a la Naturaleza: Pintura al aire libre en Europa, 1780-1870» dado por Mary Morton, curadora y jefa del departamento de pintura francesa, en la Galería Nacional de Arte. Jane Munro del Museo Fitzwilliam también presentó.
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