Cuando la oscuridad parece envolver el mundo, el arte tradicional puede ayudar. La función última del arte es elevarnos recordándonos cómo ser buenos, verdaderos y lo mejor que podamos ser. Cuando los artistas tradicionales crean un arte tan perdurable, pueden despertar nuestra bondad innata. Las obras del maestro italiano del Renacimiento Raffaello Sanzio (más conocido como Raphael) alcanzan el epítome de ese arte. Y más de cinco siglos después de su muerte, el arte de Rafael es relevante ahora más que nunca.
Una nueva y ambiciosa exposición en la National Gallery de Londres pone de relieve la obra de Rafael y muestra cómo su sensibilidad y su brillantez artística en múltiples medios trascienden el tiempo.
Inaugurada el 9 de abril, «The Credit Suisse Exhibition: Raphael» es una de las primeras exposiciones que se centran en toda la carrera de Raphael. Raphael es conocido por muchos como pintor, dibujante y arquitecto, pero a algunos les sorprenderá saber que también fue poeta, arqueólogo y guardián de antigüedades, y diseñador de grabados, esculturas, tapices y artes aplicadas.
Se expondrán 90 piezas, muchas de ellas de Rafael, y algunas obras realizadas a partir de sus diseños en medios que no practicaba, como el bronce. En conjunto, las imágenes y los objetos cuentan la historia de la vida de Raphael, su arte y sus diseños, y su desarrollo como artista.
Leonardo, Miguel Ángel y Raphael
Raphael, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci han sido considerados durante mucho tiempo como los mejores artistas del Alto Renacimiento. «Lo que hace Rafael, más que los otros, es trabajar con el idealismo», dijo el co-comisario de la exposición Matthias Wivel en una entrevista telefónica. El idealismo de Raphael no es solo en el sentido religioso; nos invita a ser buenos, individualmente y en conjunto». Wivel explicó que por eso Rafael ha sido considerado central en el canon occidental de las artes visuales más que Miguel Ángel y Leonardo, algo extraordinario si se tiene en cuenta que Raphael murió joven, a los 37 años, y su carrera duró solo dos décadas, mientras que Miguel Ángel, por ejemplo, trabajó hasta su muerte a los 88 años.
Raphael estudió por primera vez el arte de Leonardo y Miguel Ángel en Florencia, y se esforzó por perfeccionar sus técnicas. Es posible que Raphael se viera a la sombra de sus compañeros de más edad y más establecidos; Leonardo era 31 años mayor que Rafael, y Miguel Ángel era 8 años mayor que Raphael.
Los compañeros de Raphael diferían en sus estilos. En general, Leonardo abordaba su arte como un científico; observaba la naturaleza y trataba de suprimir la subjetividad cuando trabajaba. Mientras que, según explicó Wivel, el arte de Miguel Ángel es todo lo contrario. Es extremadamente emotivo y trata de su experiencia de estar encarnado en el mundo y de los problemas que eso conlleva».
Además de observar el estilo y la técnica artística de sus compañeros mayores, aprendió del interés de Leonardo por la psicología humana y de la capacidad de Miguel Ángel para articularse emocionalmente a través de su arte.
Raphael integró tan bien las ideas de otros artistas en sus obras que las hizo suyas. Ese talento le valió rivales, sobre todo de Miguel Ángel. Por ejemplo, antes de que Miguel Ángel tuviera la oportunidad de pintar su composición «La Creación de Adán» en la Capilla Sixtina, Raphael adaptó el dibujo preparatorio de Miguel Ángel y lo incluyó en su fresco «El Parnaso» en el Vaticano. Miguel Ángel debió enfurecerse.
Wivel cree que Leonardo fue quien más influyó en Raphael. Los visitantes de la exposición pueden ver el boceto de Raphael de «Leda y el cisne», la única copia directa que se conserva (a excepción de una forma más esquemática en una hoja con otros estudios) que hizo de la obra de Leonardo. La postura de contrapposto de Leda, en la que el peso del cuerpo se concentra en una pierna, procede del arte clásico. Raphael hizo referencia tanto al arte antiguo como a la Leda de Leonardo en su «Santa Catalina de Alejandría», que también se encuentra en la exposición.
El secreto de las dulces madonas de Raphael
Raphael es popularmente conocido como el pintor de las dulces vírgenes y por su cuadro «La Escuela de Atenas» en el Vaticano. Las vírgenes de Rafael pueden ser la clave de por qué su obra es universalmente conmovedora.
En su cuadro «La Virgen de Garvagh», Raphael representó a un niño Jesús confiado. La madre del niño, María, acaba de soltarlo de sus brazos para que le pase un clavel al niño que más tarde se convertirá en San Juan Bautista. María atrae a Juan hacia ella, animándole a coger la flor. Si quitamos los trajes clásicos romanos, podríamos estar simplemente ante un cariñoso retrato familiar de una madre y sus hijos.
Raphael ha conseguido que la escena nos resulte familiar por su emotividad, pero la imagen significa algo más. Atraviesa la línea divisoria entre el cielo y la tierra. Hay momentos de ternura entre una madre y su hijo que, al mismo tiempo, refuerzan el mensaje cristiano. «Es una forma de comunicar el mensaje cristiano a través de una experiencia casi universal, que todo el mundo reconoce y que engancha a la gente emocionalmente más que cualquier otra cosa», dijo Wivel.
El niño Jesús parece más sabio que su edad. Sabe que está en la tierra para algo más grande. Se sienta en el regazo de su madre, pero ella no le apoya. Mientras que Juan lleva una piel para abrigarse, el niño Jesús está desnudo; no quiere nada de este mundo, salvo enseñar a los demás a seguir a Dios.
Está claro que «La Virgen de Garvagh» de Raphael es una escena religiosa, pero lo que parece surgir, como en muchos de sus cuadros, es la gracia y también la tensión armónica entre lo espiritual y lo terrenal, el ámbito divino y el humano.
El atractivo arte de Raphael
Raphael representó la belleza donde se reúnen armoniosamente las figuras agraciadas. Ya sea que pinte figuras solas, o en grupos pequeños o complejos, cada cuadro transmite solemnidad y nos llama a la reflexión. Su arte rebosa gracia y armonía. Ambas cualidades son inherentes al orden natural de todas las cosas; basta con mirar la naturaleza para darse cuenta.
Raphael utilizó la gracia y la armonía en toda su obra, tanto si trabajaba como arquitecto, diseñador o pintor, dijo Wivel. Eso es lo que hace que el arte de Raphael sea universalmente atractivo y duradero.
Para los cristianos, «Cristo es el advenimiento de la gracia», explicó Wivel. Pero la gracia, en un sentido general, agrada, armoniza y tiene sentido. «[Raphael] es muy bueno en hacer que las cosas parezcan naturales, incluso las que son realmente muy artificiales», dijo.
Wivel citó otro aspecto de la gracia: «la idea del decoro y de cómo debe comportarse un perfecto caballero». Aunque quedó huérfano a los 11 años, a Raphael le inculcaron las maneras de ser caballero en la corte de Urbino gracias a su padre, pintor de la corte, que le introdujo en la filosofía humanista de la corte. La corte era el centro del aprendizaje y las aspiraciones humanistas. También fue muy amigo del cortesano y erudito Baldassare Castiglione, que llegó a publicar «El libro del cortesano».
El carisma y el buen carácter de Raphael brillan en los numerosos relatos de su vida. El artista e historiador del arte Giorgio Vasari, que tenía unos 9 años cuando murió Raphael, fue el que más elogió a Raphael. A Raphael le gustaba trabajar con muchos artistas y artesanos, y parecía que le querían. «Nunca se le vio ir a la corte sin tener con él, al salir de su casa, a unos 50 pintores, todos capaces y excelentes, que le hacían compañía para honrarle. En resumen, no vivía como un pintor, sino como un príncipe», escribió Vasari.
Los relatos directos sobre el carácter de Raphael son escasos. Solo se conservan dos cartas personales escritas por él. Ambas están dirigidas a su tío materno, que lo crió, y revelan que Rafphael era un hombre extremadamente ambicioso y socialmente hábil, dijo Wivel.
Raphael encarnaba el decoro en su arte al no exagerar las emociones. «No se vuelve expresivo como lo hace Miguel Ángel. Es bastante comedido», dijo Wivel.
Algunas personas consideran que la obra de Raphael es demasiado sentimental. Pero Wivel ve la contención de Raphael en toda su obra, algo que el artista aprendió de las formas y el arte clásicos. La moderación de Raphael consistía en utilizar el sentimiento con rectitud en sus obras, en lugar de utilizar las emociones con fines manipuladores. Su arte debía ser auténtico para ser tan conmovedor.
Raphael destacaba en la creación de temas en los que era necesaria la contención, como en la pintura de la Virgen con el Niño o las complejas agrupaciones de figuras en su composición de la «Escuela de Atenas», a diferencia de Miguel Ángel, que destacaba en las composiciones expresivas, explicó Wivel. La influencia de Miguel Ángel puede verse en el «Estudio para la masacre de los inocentes» de Raphael, y tanto el dibujo como el grabado terminado están en la exposición. Para Wivel, «La masacre de los inocentes de Raphael» es una composición impresionante, pero en general Raphael está un poco fuera de su elemento.
La obra de Raphael es atractiva porque nos recuerda lo mejor de nosotros mismos y lo que podemos aspirar a ser. «Nos proporciona un ideal de civilización al que podemos aspirar», dijo. La escuela de Atenas de Raphael lo demuestra, dijo Wivel. «Se trata realmente de la construcción del conocimiento en la forma en que la ilustración se ve favorecida por la comunicación y el intercambio. … Y en última instancia, de eso depende nuestra supervivencia».
La esperada «The Credit Suisse Exhibition: Raphael» en The National Gallery, Londres, debía inaugurarse en 2020, para conmemorar los 500 años de la muerte de Raphael en 1520, pero la pandemia hizo que se pospusiera. La exposición se inaugura el 9 de abril y estará abierta hasta el 31 de julio. Para saber más, visite NationalGallery.org.uk
La exposición está comisariada por David Ekserdjian, catedrático de historia del arte y del cine de la Universidad de Leicester; Tom Henry, catedrático de historia del arte (emérito) de la Universidad de Kent; y Matthias Wivel, conservador Aud Jebsen de pintura italiana del siglo XVI en la National Gallery de Londres.
Lorraine Ferrier escribe sobre bellas artes y artesanía para The Epoch Times. Se centra en los artistas y artesanos, principalmente de Norteamérica y Europa, que impregnan sus obras de belleza y valores tradicionales. Está especialmente interesada en dar voz a las artes y oficios menos conocidos, con la esperanza de que podamos preservar nuestro patrimonio artístico tradicional. Vive y escribe en un suburbio de Londres, en Inglaterra.
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