Pintor estadounidense capta gloriosamente las creaciones de Dios

No encontrará fácilmente en Internet los cuadros del artista realista estadounidense Steve Wineinger, si es que los encuentra, pero durante décadas él ha estado pintando tranquilamente y dominando su arte en su granja cerca de Spokane, Washington.

Este artista autodidacta crea fascinantes bodegones, amplios paisajes estadounidenses y cuadros históricos, principalmente al óleo, al carboncillo y a la acuarela.

En todos sus cuadros, Wineinger se reta a sí mismo a perseguir y capturar la escurridiza luz en el lienzo, agradeciendo las creaciones de Dios. Es un reto que acepta de todo corazón: «Solo tenemos algunos años en esta vida, y hay muchas cosas que una persona puede hacer, pero conseguir dominar cualquiera de ellas es un reto para toda la vida, según parece», dijo en una entrevista telefónica.

La voluntad de un artista

El proceso de creación artística de Wineinger tiene tanto determinación como disciplina. Cree que la universidad no es un paso necesario en la formación artística, pero sí es necesario dominar los fundamentos del arte. «Creo que el arte es un 10 por ciento de talento y un 90 por ciento de trabajo duro», afirma.

Cuando estaba en la escuela secundaria, o quizá incluso antes, llegó a sus manos un libro de Norman Rockwell en el que el artista explicaba la paleta de colores y su propio proceso de ilustración. «El libro se deshizo; lo miré mucho y lo absorbí. Era un libro encuadernado, y ahora es un surtido de páginas», dijo.

Durante unos 18 meses, Wineinger estudió Bellas Artes en una universidad regional para ampliar y profundizar sus conocimientos. A mediados de semestre, su tutor dijo a la clase que dirigieran cualquier pregunta que tuvieran a Wineinger porque «él sabe más de pintura que yo». Wineinger se sintió halagado, pero esa no era la razón por la que pagaba la matrícula. No volvió a las clases.

A partir de entonces, Wineinger aprendió por su cuenta a pintar, un proceso que compara con una versión rigurosa de la educación en casa. Se disciplinó siguiendo el plan de estudios de bellas artes que utilizaban los principales institutos de arte. Para practicar, copiaba las obras de los artistas que admiraba, y así podía descomponer las técnicas que utilizaban. Practicaba todos los pasos que estudiaba en los libros: desde la preparación de las poses de los modelos para las composiciones, hasta la creación de trazados a escala real en carboncillo, pasando por la transferencia de los dibujos a los lienzos y la pintura de fondo antes de pintar.

Tenía un cuaderno de dibujo en la mesita de noche junto a su cama. Antes de acostarse, dibujaba algo, cualquier cosa: un familiar, los platos de la cocina o un mueble. «Fue difícil al principio, pero con el tiempo se hizo más fácil», dice.

También buscó asesoramiento directo de otros artistas. En particular, se sintió atraído por los ilustradores publicados. Parecían tener la mayor disciplina, una gran producción de trabajo y, por tanto, la mayor experiencia, dijo. Wineinger mantuvo varias conversaciones útiles con el ilustrador Tom Lovell, contemporáneo de Norman Rockwell y famoso por sus ilustraciones en National Geographic.

Circuito de exposiciones de arte

Durante este periodo, Wineinger empezó a exponer su obra en las principales ferias de arte regionales en un radio de unas 300 millas desde Spokane. Un agente local programaba sus exposiciones con un intervalo de entre dos semanas, un mes y tres meses.

Era un calendario de exposiciones agotador debido al tipo de pinturas que Wineinger creaba. Sus óleos podían tardar al menos seis meses en secarse antes de aplicar el barniz. Para él, el barnizado es de suma importancia para realzar los colores y los detalles de la obra; sin él, la pintura quedaría apagada.

Wineinger empezó a sentir que era una fábrica de pinturas. «Tenía que estar ahí [en el estudio] y producir obras, y eso no era lo que quería hacer», dice. Y con un calendario de exposiciones tan apretado, no tenía tiempo para salir al campo e investigar nuevos temas.

Como todo su inventario se vendió, decidió dejar el circuito de exposiciones y aceptar encargos o pintar solo lo que deseara.

Excursiones artísticas

Wineinger descubrió muchos de sus temas paisajísticos en sus excursiones, a menudo con su esposa de 44 años, Rickie. Sus cuadros «Cabo Kiwanda» y «Haystack Rock at Dusk» fueron creados tras el viaje de aniversario de boda de la pareja a la costa de Oregón.

Wineinger encontró por primera vez el Cabo Kiwanda cuando investigaba sus vacaciones, buscando en Internet fotografías de la costa de Oregón.

La pareja llegó a Oregón cansada, después de conducir casi todo el día. Al instalarse en el hotel, Rickie comprobó el reporte del tiempo. Se había pronosticado sol, pero la previsión para la noche siguiente cambió a tormentas y niebla espesa. Decidieron salir de excursión esa tarde, cambiando su esperada cena de pescado, papas fritas y cerveza por sus mochilas y equipo fotográfico.

No había carretera para llegar al cabo; debían caminar a lo largo de la escarpada costa. Cuando llegaron, Wineinger pasó algún tiempo en un afloramiento rocoso buscando el mejor lugar para su composición. «Era muy empinado, y tuve que agarrarme de los arbustos y poder sujetar mi cámara para no caer al mar. (…) Estuve en ese lugar durante hora y media, debido a los cambios de luz», dijo.

Wineinger tomó unas 800 fotos del cabo. Al atardecer, la luz y los colores cambian de un momento a otro, revelando luces y sombras que se aprecian mejor al revisar las imágenes en el estudio, explicó.

Cuando la pareja regresó al auto al atardecer, Wineinger se dio la vuelta para ver una increíble toma oscura. Esa escena se convirtió en su cuadro «Haystack Rock at Dusk».

El cuadro de Wineinger «La tempestad» surgió de una excursión diferente, esta vez en Hawai, donde solían tener un par de propiedades y pasaban algún tiempo cada invierno. A menudo realizaban excursiones de senderismo y fotografía.

En una ocasión, Wineinger encontró un mapa que mostraba los antiguos lugares reales de Hawai, uno de ellos con un estanque de peces koi. A menudo se había sentido decepcionado cuando observaba el arte koi. «Les faltaba la fuerza del movimiento del agua, la distorsión y la refracción, que le daban vida», dijo. Él capturó con eficacia el movimiento del agua en «La Tempestad».

La fotografía, una herramienta para el artista

Wineinger subraya que «todas las fotografías tan solo son guías». Cree que reproducir una fotografía a la perfección es una forma terrible de producir arte. «Hay que cambiar el color. Hay que cambiar la composición. Hay que poner o quitar cosas. Hay que trabajar mucho para pasar de una fotografía a una obra de arte», dice.

Y esa transición implica una comprensión fundamental de los fundamentos de las bellas artes. Por ejemplo, para pintar «Cabo Kiwanda», ajustó la paleta de colores y utilizó cinco fotografías para hacer una imagen compuesta.

Las fotografías también pueden ayudar con los distintos componentes de una composición. En una ocasión, Wineinger necesitaba encontrar un hombre de montaña, un cazador, para un cuadro. Encontró el modelo adecuado en su centro comercial local, un vagabundo que vivía detrás de los contenedores. «Parecía un cazador. Le faltaban los dientes. Parecía un poco salvaje. Tenía el pelo largo y alocado», dice. Preparó la sesión de fotos de pago en un almacén del centro comercial, utilizando un ventilador que tenía en su auto para crear el efecto de un hombre de montaña a caballo. Y ¡voilá! Tenía a su cazador.

Las fotografías son solo una herramienta para registrar los detalles de un su objeto: la forma de un árbol, la forma de un animal, o para registrar músculos o plumas. Pero no deberían ser lo que se intenta reproducir, añadió.

Otra razón de peso que da Wineinger para explicar por qué copiar ciegamente las fotografías no genera grandes obras de arte es que, en las fotografías, las sombras son negras. Eso no sucede en la naturaleza. «Uno puede estar al borde de una hermosa montaña o cañón y ver matices de colores. En realidad, las sombras deberían ser azules o moradas, no negras».

Fabricación de marcos

Wineinger empezó a hacer marcos para sus obras después de un viaje a Europa con su esposa y un amigo, que había vivido en Europa durante varios años.

Su amigo conocía varias grandes colecciones de arte en las que se podían ver las obras de cerca, en vez de pelearse con los turistas para ver el arte en lugares como el Louvre. A Wineinger le llamó la atención la elaboración de los marcos de los cuadros y observó cómo el marco parecía elevar el arte.

«Eran paisajes y bodegones fabulosos, pero por lo que eran premiados no era solo por su antigüedad, sino por la presentación», dijo. Del mismo modo, en Estados Unidos había visto de cerca obras de los pintores de la Escuela del Río Hudson, Albert Bierstadt y Thomas Moran, y le impresionó no solo el arte, sino también el marco. «Creo que los marcos son tan impresionantes como las obras de arte, en muchos casos», dijo.

Wineinger y su hijo empezaron a aprender a hacer marcos. Se pusieron en contacto con fabricantes y restauradores de marcos europeos, expertos que trabajaban para el Louvre o para edificios del patrimonio. En varias ocasiones, su hijo habló con expertos que, al no considerarlos una amenaza profesional, le divulgaron sus secretos de acabado de marcos, dijo Wineinger.

Wineinger talla a mano algunos de sus marcos, pero también se abastece de materiales de una empresa antigua de Chicago. En el siglo XIX, el establecimiento empleaba a escultores austriacos y alemanes para crear molduras y adornos. Estas molduras son las que a veces utiliza Wineinger.

Para sus marcos, Wineinger combina los mejores métodos tradicionales con los materiales actuales. Por ejemplo, recubre los marcos con pintura roja, similar a la imprimación de arcilla roja que se utilizaba en el siglo XVIII. Le interesa la durabilidad del marco y, sobre todo, la belleza del resultado final.

La aberración del arte

Wineinger reflexiona sobre el propósito del arte y el mundo del arte en general. Se ha ganado la vida con su arte, además de incrementar sus ingresos cuando se dedicaba a otras actividades. Pero cuestiona las obras de arte creadas por artistas vivos o recientemente fallecidos, que se venden por entre 50 y 150 millones de dólares. «¿Quién determina el valor de esas obras? (…) ¿Quién determina lo que se debe coleccionar?», dijo.

También ha conocido personalmente a destacados artistas del óleo y la acuarela a quienes les ha ido muy bien a escala internacional. Pero ve un vínculo entre el carácter de un artista y el arte que crea. De los artistas de gran éxito que ha conocido, dice: «Eran raros. (…) No querría que mis hijos pasaran el fin de semana con ellos, o no querría que mis nietos emularan su estilo de vida en absoluto. Y fue entonces cuando se encendió la luz. La mayoría de las cosas que produce esta gente no son bonitas: Son oscuras y pervertidas, y algunas de ellas se hicieron cuando estaban drogados. Eso lo sé».

«Creo que tenemos que preguntarnos por qué hemos tomado este camino».

Wineinger cree que el arte, e incluso el deporte, se está politizando y utilizando para moldear la sociedad. «Ahora, no se trata solo de la excelencia atlética. (…) Ahora se trata de la justicia social. Y el fútbol ya no se trata de fútbol: Se trata de todo lo demás».

«Pero creo en un ingeniero jefe de todo lo que vemos. Creo que fuimos creados y que todo lo demás fue creado. (…) Y con esa perspectiva, creo que se nos da el talento, ya sea en la música, la danza, la arquitectura, lo que sea; creo que simplemente no lo conjuramos nosotros mismos», dijo.

Wineinger cree que el arte solía consistir en plasmar las creaciones de Dios en el lienzo o con otros materiales.

«Creo que el propósito del arte es elevar nuestra existencia humana, al igual que glorificar a quien lo creó en primer lugar».

Para saber más sobre los cuadros de Steve Wineinger, puede contactarlo en [email protected]

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