Reflexión sobre las esperanzas y los sueños de la vida a través de los retratos renacentistas

Acuérdate de mí cuando me haya ido,
Me haya ido lejos, a la tierra silenciosa;
-Christina Rossetti, poeta, de «Recuérdame»

«Recuérdame», una fascinante exposición en el Museo Rijks de Ámsterdam, explora cómo más de 100 hombres y mujeres del Renacimiento fueron conmemorados en pintura. A través de los retratos, podemos ver lo que nuestros primos renacentistas apreciaban: sus esperanzas, sueños y logros.

Las pinturas muestran cómo la gente quería ser retratada. Transmiten el amor, la fe, la familia, la belleza, la ambición, la autoridad y el conocimiento.

Han pasado unos 500 años desde que se pintaron estos retratos, pero lo que resulta asombroso son los temas universales que resuenan con nuestras propias aspiraciones hoy en día, afirmando que el arte tradicional conecta de forma verdadera y duradera con nuestros corazones.

La exposición es una oportunidad para reflexionar sobre el gran arte del Renacimiento, desde artistas del Norte como Alberto Durero, Hans Memling y Hans Holbein el Joven, hasta artistas italianos, Tiziano y Sofonisba Anguissola, entre otros. Pero más que eso, los nueve temas (como «Admírame», «Apréciame» y «Reza por mí») que tratan los comisarios de la exposición, Matthias Ubl y Sara van Dijk, son una oportunidad para que reflexionemos sobre nuestro propio legado y la impermanencia. Es una oportunidad para reflexionar: Cuando todo esté dicho y hecho y se acerque «la tierra silenciosa», ¿cómo queremos que nos recuerden?

Por la belleza

El museo Rijks eligió «Retrato de una joven» del artista flamenco Petrus Christus para promocionar su exposición «Recuérdame». El retrato es una obra destacada del arte flamenco y un punto culminante de la exposición. Es la primera vez desde 1994 que la Pinacoteca de los Museos Estatales de Berlín presta el retrato.

La joven desconocida de Christus desprende ciertamente algo que vale la pena recordar: la belleza. Los hombres y mujeres del Renacimiento tenían la antigua creencia de que la belleza exterior y la interior están íntimamente unidas, explica Sara van Dijk en el catálogo de la exposición. Van Dijk utiliza el «Libro del cortesano» de Baldassare Castiglione, de 1528, para ilustrar este punto: «Un alma malvada rara vez habita en un cuerpo bello, y por esa razón, la belleza exterior es un verdadero signo de bondad interior».

Para transmitir la belleza, los retratistas solían hacer hincapié en la pureza, la modestia y la castidad, resaltando la virtud del retratado.

Christus pintó a la desconocida en una pose de tres cuartos. Su piel de porcelana y sus mejillas sonrosadas aluden a su belleza etérea. Aparece con aplomo y humildad, sin duda debido a una educación recta. Está a la moda, con un vestido azul de estilo borgoñón y un estomago negro (la pieza decorativa del vestido de una mujer que cubre su corpiño).

Van Dijk señala que el atuendo de moda tenía un cierto lugar en los retratos femeninos, pero las mujeres no debían descuidar sus deberes de esposa y madre por culpa de la vanidad. «Sería feo y desagradable que la esposa de un noble apareciera en público con prendas propias de una duquesa o una reina», escribió el humanista y filósofo renacentista Alessandro Piccolomini.

Por amor

Van Dijk explica que en la época medieval, la devoción a Dios era de suma importancia. Los cristianos devotos vivían como célibes, dedicando su vida a Dios. Pero el celibato no era una opción para todos. Los vínculos sagrados del matrimonio ofrecían la redención del pecado mortal de la lujuria.

Describe el matrimonio como un sacramento otorgado por Cristo «como símbolo de su relación con la Iglesia. Él era la encarnación del Verbo de Dios, y esto estaba simbolizado por la unión física y espiritual entre un hombre y una mujer. Así, la relación de Cristo con su Iglesia se reflejaba en la relación armoniosa entre marido y mujer».

Los retratos de los novios y las bodas reflejaban lo que los hombres y mujeres del Renacimiento creían que eran atributos importantes para un matrimonio exitoso y una vida familiar fructífera. Los retratos estaban llenos de símbolos de amor, pureza, castidad y fertilidad.

Un retrato matrimonial entrañable es «Retrato de Marsilio Cassotti y su esposa Faustina», del artista italiano Lorenzo Lotto. El padre de la novia encargó la obra. En el retrato, Cupido preside a la pareja mientras Cassotti toma la mano izquierda de su futura esposa para colocarle el anillo de boda en el dedo. Van Dijk señala que en el norte de Italia el anillo de bodas se colocaba en el dedo anular derecho, no como se representa en el retrato de Lotto. Tal vez el pintor estaba sugiriendo una tradición muy antigua: En la antigua Roma, el anillo de bodas se llevaba en la mano izquierda, ya que los romanos creían que el dedo anular izquierdo conectaba, a través de una arteria, directamente con el corazón.

Por la fe

La oración se representaba a menudo en los retratos de devoción. Para los cristianos, el acto de la oración ofrecía un vínculo directo con su salvación, allanando su camino al cielo.

Los cristianos conservaban cuadros de devoción como recordatorios diarios de sus votos cristianos. Estos retratos privados eran a menudo pequeños colgantes portátiles, dípticos (pinturas hechas de dos paneles que se doblaban uno sobre otro) o trípticos (similares a un díptico pero hechos de tres paneles, con el panel central a menudo representando una figura religiosa). Se diseñaban para ser fácilmente transportados o expuestos en las celdas de los monasterios para ayudar a la meditación.

Un díptico en la colección del Museo de Bellas Artes de Dijon, Francia, de una pareja casada, titulado «Retrato de un hombre y una mujer rezando», fue creado en Borgoña, Francia, alrededor de 1470 por un artista desconocido. La pareja, pintada en paneles separados, está venerando esculturas sagradas. El marido reza solemnemente a la Virgen María y al Niño Jesús, y su mujer ofrece humildemente sus oraciones a Juan el Evangelista. De las manos del marido brota una inscripción en latín, como afirmando sus oraciones silenciosas.

«Probablemente, estos retratos devocionales también pretendían mantener la oración de forma simbólica durante toda la eternidad: Los cuadros, por así decirlo, asumían la función de la oración cuando los retratados estaban ocupados con las ocupaciones mundanas o habían muerto», escribe Matthias Ubl en el catálogo de la exposición.

Otros retratos de devoción estaban generosamente salpicados de símbolos sagrados, algunos de forma manifiesta, como el rosario. Otros símbolos, aunque conocidos por los contemporáneos del Renacimiento, pueden necesitar más explicación hoy en día. Las nueces de la oración, por ejemplo, aparecen a menudo en las pinturas. Se trata de nueces de madera de boj que se abrían en dos mitades y contenían tallas sagradas, a menudo con la representación de la Pasión, que servían de instrumento de meditación.

Los artistas también representaron retratos de peregrinos, como se ve en el cuadro del artista holandés Jan van Scorel «Doce miembros de la Hermandad de Peregrinos de Jerusalén de Haarlem». El destino de los peregrinos, la Iglesia del Santo Sepulcro de Jerusalén, está pintado en la esquina superior izquierda del cuadro. Todo en el retrato recuerda a los peregrinos sus votos divinos. Cada hermano está en orden cronológico según la fecha de su peregrinación. Cada peregrino sostiene una o dos hojas de palmera, y cada una de ellas indica que ha completado su peregrinación. En la parte inferior de la pintura hay unos papeles que instan a los hermanos a rezar por los peregrinos fallecidos, para ayudarles en la otra vida. El artista colocó su imagen en el cuadro, ya que también fue peregrino. Van Scorel está de pie sobre el papel desprendido. Ubl dice que el papel desprendido representa la impermanencia de la vida.

Los artistas representaban la transitoriedad de la vida en los retratos «vanitas». «La palabra de Dios es eterna, todo lo demás es temporal», dice un proverbio latino en un retrato. En estos retratos suelen aparecer símbolos de la impermanencia, como claveles, relojes de arena, pompas de jabón, y motivos más macabros, como calaveras e incluso cadáveres en descomposición.

Para el arte

Los primeros autorretratos se hacían para honrar a Dios y mostrar la belleza de sus creaciones, dice Ubl. Más tarde, los autorretratos se desviaron de esas intenciones sagradas. Los autorretratos se convirtieron en herramientas de promoción para que los artistas mostraran su talento y ambición. Ubl señala que el cambio de énfasis en el retrato, que pasó de Dios a la persona, está directamente relacionado con la elevación del artesano medieval a artista.

Antes del siglo XVI, los artistas habían incluido sus autorretratos en sus obras, pero ahora los artistas pintaban autorretratos autónomos principalmente para aludir a su oficio. Ubl señala que los retratos que no aludían a la ocupación de los artistas eran pintados por pintores de la corte que no tenían necesidad de promocionarse.

El «Autorretrato con el Coliseo» del artista holandés Maarten van Heemskerck es un fascinante cuadro de autopromoción. A primera vista, el artista aparece delante del Coliseo, pero en realidad se representó a sí mismo delante de un cuadro del antiguo monumento. En el extremo derecho, podemos ver a van Heemskerck en su caballete, copiando el anfiteatro como parte de su educación artística del Grand Tour. A través de este cuadro, está diciendo a sus posibles mecenas que no solo es hábil, sino que también es culto. Ha realizado su Grand Tour y ha copiado los mejores ejemplos de arte: los de la antigua Roma.

Al igual que van Heemskerck, la artista italiana Sofonisba Anguissola demostró su destreza en la pintura. Creó muchos autorretratos, un par de los cuales están en la exposición. En uno de ellos, está en su caballete pintando a la Virgen María y al Niño Jesús. Los cuadros de historia religiosa, como el de su caballete, se consideraban el género más elevado de la pintura.

Otro de sus cuadros en la exposición, pintado justo un año después de su autorretrato como artista, es su encantador y conocido retrato familiar «La partida de ajedrez». En este cuadro, Anguissola mira al espectador mientras su hermana, a la derecha, intenta llamar su atención, como si la instara a realizar su próxima jugada de ajedrez. La otra hermana de Anguissola, en el centro, mira alegremente a su hermana de la derecha. Es una alegre escena familiar. Unos años después de estos cuadros, en el invierno de 1559-1560, Anguissola se convirtió en pintora de la corte y dama de compañía de la corte española, enseñando arte a la tercera esposa de Felipe III.

Un autorretrato resume bien la exposición. El autorretrato del artista holandés Johan Gregor van der Schardt en terracota blanca con policromía, desprovisto de ropa y de cualquier otra indicación de tiempo, propugna la intemporalidad de las diferentes formas en que la gente quiere ser recordada. Si se elimina cualquier indicio de la época en la que se crearon estos retratos, lo que queda son personas que representan los valores perdurables y tradicionales de nuestra humanidad compartida.

La exposición «Recuérdame» estará abierta hasta el 16 de enero de 2022 en el Museo Rijks de Ámsterdam. Para obtener más información, visite Rijksmuseum.nl

El libro de la exposición, «Recuérdame: Retratos del Renacimiento», puede adquirirse en línea en la tienda del museo; visite RijksmuseumShop.nl

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